Casi Divas.

Un melodrama en tono de comedia divertidísimo y punzante que te sorprenderá por la riqueza de sus personajes y su inteligente trama. Casi Divas puede matar el tiempo de cualquier persona, sin sentir que habrás perdido del todo tu dinero. Una película que promete diversión y una temática original en cuanto al cine mexicano se trata.

Casi Divas. Dir. Issa López, 2008

Estamos ante una película sincera, sabemos que es comercial, que no tiene unas grandes actuaciones o que peque de profunda y artística, simplemente sabemos lo que nos ofrece, un entretenimiento. Los directivos de las grandes empresas televisoras nacionales e internacionales compiten diariamente por acaparar los mayores niveles de audiencia, con noticieros, programas de debate, musicales, comicidad, series, deportes, telenovelas, concursos y reality shows, siendo éstos últimos los que generan el mayor “raiting”, debido a la identificación directa que tienen las masas con quienes están a cuadro. Sin embargo dichas emisiones se valen de todo para generar morbo y hacerse controversiales, que rompan esquemas, sin importar que los contenidos rayen en lo grotesco y que atentan contra el intelecto del televidente.

Estamos ante una radiografía feminista que abarca temas tan disímiles entre sí pero incluyentes en nuestra sociedad. Desde la problemática de las muertas de Juárez hasta la transexualidad, que es el tema que me incumbe en esta ocasión. Hablemos de que una chava transexual nunca será protagonista de una telenovela o de una película y todo por que vivimos en un ambiente heteronormado que publicamente siempre veremos historias con protagonista masculino y femenino evadiendo sus miles de conflictos para ser felices. El personaje de Yesenia es muy interesante por el conflicto interno que maneja, independientemente de dicha crítica.

Por eso te invito a ver esta pélícula como un mero canal de realizar una crítica a los medios de comunicación. Un interesante ejercicio de Issa López, la cuál, junto con Efectos Secundarios, se mueve ante una directora que muestra con sumo cinismo para levantar su voz ante personajes encerrados en su propio carácter y destino.

* * */ 5

Cada año conmemorando el Día Internacional de la lucha contra el VIH (SIDA)

Después de no escribir en un buen rato regreso a colaborar para ustedes en un día marcado para algunos. Hoy se celebra el Día Internacional de la lucha con el VIH. El año pasado les había platicado de una película polémica por el tema y ahora les compartiré otra película. Me da mucho gusto regresar a trabajar en este portal esperando llevarles muchas recomendaciones de series y películas.

Los Testigos (Les témoins, Dir. André Téchiné, 2007)

(Para más información sobre compra o descarga da click aquí)

A mediados de de los años ochenta un joven recién llegado a París se queda a vivir con su hermana. Empieza a experimentar allí la vida sexual de la ciudad. Manú, como se llama este jóven, será una de las personas de la primera generación que se infecta con el VIH. Los Testigos tiene todos los símbolos para convertirse en una película testimonio de un tiempo y de una generación. Testimonio del escalofrío, el dolor y la angustia de toda una generación de homosexuales que ve cómo de un día para otro una enfermedad desconocida que tiene algo de plaga bíblica arranca de cuajo no sólo sus vidas, sino sus formas de vida. Los encuentros furtivos en los parques, las fiestas alegres y desinhibidas, el sexo sin los prejuicios atávicos de la moral, la alegría de vivir, todo ahora se ve amenazado por el fantasma del contagio, y probablemente también por el fantasma de la culpa, la culpa de la homosexualidad, la homosexualidad como un castigo.

A mi el filme ha conseguido helarme la sangre, porque me ha transmitido el tormento que debió pasar la comunidad gay a mediados de los ochenta, un tormento que era doble, por una parte el enorme sufrimiento físico de una enfermedad tan misteriosa como mortal, y por otra el estigma de la exclusión social que acarreaba el padecerla.

La película, narrada a través de cuatro personajes muy bien desarrollados, en cuyo centro se encuentra Manu, un adonis que enamora básicamente por su belleza de ángel sexuado, nos cuenta la historia de unos seres sufrientes para quienes realidad y deseo casi nunca son una misma cosa. Téchiné tiene una sensibilidad especial para contar la dosis adicional de amargura que conlleva el amor homosexual, un amor que no se atreve a decir su nombre, un amor muchas veces oculto en un mundo macho, heterocéntrico y brutal. En esta ocasión el dolor adicional viene en forma de enfermedad física, una espina más en un camino lleno de espinas.

A Los Testigos sólo le podría achacar algunos problemas de ritmo, sobre todo hacia el final del metraje, que tal vez se alargue un poco. Por lo demás me parece una película excelente, un testimonio del sufrimiento de toda una generación. No me cansaré de recomendarla.

* * * * / 5

@Gusbarrientos

Recomendación de la semana: "El Espantatiburones"

¿Por qué recomendar una película animada en este espacio? En primer lugar por que el Día del niño está a la vuelta de la esquina, y todos, mantenemos un niño dentro. Sin embargo esta película tiene un mensaje de aceptación lgbt debajo de esta capa festiva para ser una película infantil. Chequen lo siguiente:

El Espantatiburones, Shark Tale, Bibo Bergeron, Vicky Jenson, Rob Letterman, 2004

Me encanta la animación, me sorprende gratamente verme enganchado a las actuaciones de personajes que no son reales, identificarme con peces, monstruos u otros seres de rara apariencia y colores chillones y sobre todo me sorprende poder sufrir o reír con ellos.

Oscar es un pez soñador que trabaja en un negocio de lavado de ballenas. Lenny, hijo de un mafioso llamado Don Lino, es un tiburón rechazado por sus congéneres por no ser un asesino por naturaleza. Lenny entabla amistad con Oscar, quien de manera accidental adquiere fama por haber matado a un tiburón peligroso, llevándole a ser objeto de admiración popular entre la comunidad acuática, menos para los escualos que desean eliminar al Espantatiburones.

El hecho de que Lenny era vegetariano y no era aceptado por los demas tiburones, fue entrelazado con el hecho de que, se puede interpretar como un personaje gay y que el mensaje principal de la pelicula es la aceptación. Si se fijan bien el mensaje es muy claro . El personaje se viste de delfín y cuando se descubrio ante su padre, la forma en que se quito el maquillaje fue el cuadro perfecto de cuando un gay sale del closet.

La película no es un gran éxito de la animación, pero se le agradece que meta subtextos en películas animadas para los padres. Es interesante el hecho de que temas de interés social vayan entrando en la temática de cintas para niños.

* * 1/2 / 5

Recomedación de la semana:: Antes que Anochezca

Esta semana, una película bastante interesante, indispensable dentro del catálogo de películas sobre homosexualidad:

Antes que anochezca, Before Night Falls, Dir. Julian Shnabel, 2000

La vida de Reinaldo Arenas es mostrada desde su infancia en un ambiente rural y su temprana participación en la Revolución, hasta la persecución que más tarde experimentaría como escritor y homosexual en la Cuba de Castro; desde su salida de Cuba en el éxodo de Mariel Harbor en 1980, hasta su exilio y muerte en los Estados Unidos. Es el retrato de un hombre cuyo afán de libertad - artística, política, sexual - desafió la pobreza, la censura, la persecución, el exilio y la muerte.

Reinaldo Arenas fue un escritor cubano al que el régimen de Castro persiguió duramente por su homosexualidad y oposición al régimen, consiguió publicar varios libros fuera de Cuba y mientras su obra recibía premios fuera de su país, él vivía en la miseria o en la cárcel, hasta que consiguió salir de Cuba e irse a vivir a New York, donde vivió hasta 1990, año en el que, enfermo de sida, se suicidó.


La película está basada en el libro autobiográfico que escribió cuando ya estaba enfermo y que acabó unos días antes de suicidarse. Es un relato brutal, sincero y bellísimo a la vez, sobre todo en la parte que narra su infancia que es más poética que el resto, mucho más realista.

Pero lo mejor de este film es, sin duda alguna, la tremenda interpretación de Javier Bardem, es increíble lo que puede hacer, después de ver Antes que Anochezca y Mar Adentro, puedo decir que Bardem es un genio de la actuación.

Javier Bardem se convierte en Reinaldo Arenas y es asombroso ver cómo se mueve, cómo habla e incluso cómo mira, la calidad de su actuación va aumenta a lo largo de la película a medida que va aumentada la carga dramática de la historia, yo destacaría la escena en la celda de aislamiento y la del suicidio, tremenda.

****/5

Recomendación de la semana: Cachorro

Esta semana les traigo una película de proporciones osunas:

CACHORRO, Dir. Miguel Albaladejo, 2004, España

¿De qué trata?: Cuando Violeta (Elvira Lindo) decide hacer un viaje por la India con su nuevo novio, deja a su hijo Bernardo (David Castillo) de 11 años con su hermano Pedro (José Luis García Pérez), un atractivo dentista homosexual, desinhibido en sus relaciones y sin más responsabilidades que para con él mismo. Pedro cambiará su comportamiento para que su sobrino no perciba su desenfrenado ritmo de vida habitual. Sin embargo, el niño mantendrá una actitud de lo más natural, como si estuviera en su propia casa, sin incordiar ni entrometerse en nada. Ahora Pedro tendrá que enfrentarse a un montón de cosas inesperadas para él (colegio, educación etc ...). Poco a poco la relación se hará más estrecha, a base de cariño, afecto y amistad, algo que Pedro nunca había tenido con nadie que no fuera con él mismo.

Albaladejo es un gran guionista, pero un director muy corriente. El guión daba para más, pues toca varios temas interesantes: la marginación legal de los homosexuales –en esto, afortunadamente, se ha avanzado mucho en España–, el derecho de los homosexuales a la adopción, los problemas (también los hay) de una paternidad y de una vida demasiado "liberal" (las drogas, el sida...), los prejuicios legales a la hora de otorgar la tutela de los críos, etc.

Entre las virtudes de la película habría que añadir el fantástico trabajo de José Luis García-Pérez, el mejor del reparto con diferencia, sabiendo dar vida perfectamente a un personaje que podría resultar desagradable debido a su forma de vida (sexo promiscuo, drogas…) y que en sus manos resulta casi enternecedor. Igualmente destacable sería la labor realizada por un jovencísimo David Castillo, por desgracia no se puede decir lo mismo del resto de actores, especialmente una terrible Elvira Lindo.

Al final la película resulta más satisfactoria cuando no trata de ser emotiva o trascendental. El último tramo de la película es el menos logrado, un final apresurado y que intenta aprovecharse de todos estos sucesos dramáticos con desiguales resultados.


* * */5

Recomendación de la semana: Besando a Jéssica Stein

Para mis chicas que las he tenido un poco abandonadas, les recomiendo esta simpática comedia.

Besando a Jessica Stein, Dir. Charles Herman-Wurmfeld, 2002

Jessica, una sensible y neurótica periodista de Nueva York, no se encuentra en su mejor momento sentimentalmente hablando. Su hermano tiene novia, su mejor amiga está embarazada, no ha tenido una cita en el último año y además no puede dormir. Después de una desastrosa serie de citas, se topa con un sugerente anuncio que sólo tiene una pega: está en la sección de "mujer busca mujer". Contesta por ver qué pasa. Así queda con Helen Cooper, una chica progresista y miedosa de la ciudad, para tomar unas copas, y para su sorpresa, se llevan bien. Su emocionante noche de cotilleo, charla y discusiones termina por confundir e intrigar aún más a la pobre Jessica.

La historia tiene un planteamiento simple, pero el desarrollo me parece bueno, sobre todo gracias a algunos diálogos bastante buenos. Los personajes principales me parecen bastante buenos y complejos, Jessica y Helen, sin olvidar a los secundarios, que tienen también sus características y su comportamiento propio.


Las actuaciones me parecen buenas, no brillantes pero si buenas, ninguna me ha decepcionado. La música me ha gustado, sobre todo esas piezas de jazz que hay por ahí , que contribuye a crear un ambiente muy agradable, por decirlo de alguna forma. En el aspecto cómico, tiene varias escenas simpáticas, la película no es para partirse ni mucho menos, como todas las comedias románticas, y eso es en lo que consiste gran parte de su encanto a mi parecer.

Y bueno, el final no es previsible como la mayoría de los casos de éste género, ¿mejor o peor? Agradable por ser diferente. Un película entretenida, simpática, y curiosa, pero quizás no tan bonita como otras.

* * * 1/2 / 5

Recomendación de la semana: Tiempo de Vivir (Le temps qui reste, François Ozon, 2005)

La semana pasada me compré una película en una popular tienda de música y películas, ahora les traigo la crítica:

Tiempo de Vivir (Le temps qui reste, François Ozon, 2005)

Romain [Melvil Poupaud] es un fotógrafo de moda de treinta y un años, gay, egocéntrico y arrogante, que descubre que el cáncer ha invadido su cuerpo. La esperanza de recuperación es prácticamente nula y la muerte cuestión de tiempo.

Su primera reacción es descargar su ira sobre sus padres, su hermana y, por último, sobre su novio, al que expulsa del piso que comparten. Ninguno de ellos conoce el secreto que explica su conducta.

La soledad que siente después le lleva hacia su abuela, primera persona a la que confiesa su enfermedad en un alarde de falta de tacto, al decirle «estás tan cerca de la muerte como yo».

La necesidad de tener un hombro en el que apoyarse le lleva a su antiguo novio, que le rechaza.

La película se centra en el drama humano de un joven, profesional de éxito, de situación económica desahogada, que de improviso se ve enfrentado a la fatalidad de una muerte próxima. La obra es el segundo título de una trilogía del autor sobre el tema de la muerte, que se inició con "Bajo la arena" (2000) y que se ha de cerrar con una obra sobre un niño.

El film contiene varias de las constantes de Ozon: desintegración de la familia tradicional, naturaleza efímera del amor, vigencia del amor ocasional (amores de un día), dificultad de comunicación de las personas, temor a la muerte, diversidad natural de las orientaciones sexuales y variedad de formas de la cópula de los amantes. En esta ocasión muestra, con realismo poético, un coito homosexual frontal y el de un trío.

La obra se apoya en gran medida en la fuerza de las imágenes, los gestos y la expresión corporal. El ritmo narrativo es pausado, sensual, elegante, poético y sugerente, de acuerdo con el sello estilístico del autor. La tensión dramática se basa en la soledad de Romain, la progresiva pérdida de facultades y la aparición de molestias crecientes. Los instintos de supervivencia se mantienen vivos en su afán de fotografiar todo lo que le interesa, su aceptación de dejar descendencia (sobrevivir a la muerte) y de fundirse con la naturaleza en un acto postrero de fe.

La fotografía usa colores predominántemente cálidos, tonos pálidos, luces suaves y contraluces rotundos. El guión explora el mundo interior del protagonista en una situación límite. La interpretación es sobria y correcta. La dirección crea una obra de apariencia sencilla, rica en sugerencias e interrogantes, que mueve a la reflexión. Una película que deberían buscar y reflexionar a partir de ahí, el valor de la vida en nuestras relaciones humanas

* * * 1/2 / 5

Recomendación de la semana: Fresa y Chocolate.

Fresa y Chocolate, 1993
Dir. Tomás Gutiérrez Alea, Juan Carlos Tabío

El filme apunta a tres frentes: uno ideológico-político, otro que nos habla sobre la amistad a pesar de las diferencias, y la homosexualidad.

La acción tiene lugar en La Habana en 1970. Narra la historia de Diego (Jorge Perugorría), un intelectual de 40 años, homosexual, amante de los helados de fresa, que por una apuesta intenta, sin éxito, seducir a David (Vladimir Cruz), un joven militante comunista, heterosexual, que estudia socialogía en la Universidad de La Habana, aficionado a los helados de chocolate. La relación entre ambos, tirante al principio, se ve espoleada por el dirigente político Miguel (Francisco Gattorno), deseoso de hallar pruebas contra Diego. Pese a los engaños iniciales mútuos, entre Diego y David se establece una sincera y profunda amistad. La película plantea el problema de la homofobia, denuncia los prejuicios en los que se apoya y defiende la realidad natural de la homosexualidad. Diego encarna la figura del homosexual consciente, lúcido y culto, que afronta con buen ánimo el ambiente opresivo que vive en su ciudad. En este punto se muestra el grado de marginación de los homosexuales (Diego pierde la licencia de trabajo en todo lo relacionado con la cultura) en el marco cubano y en el más general de sociedades avanzadas que no han superado del todo viejos prejuicios. El tema no es nuevo, pero la película contiene elementos particularmente sugerentes: explica sin tensiones, razona con fundamentos, habla con serenidad, rehuye la confrontación, asume la intolerancia con fortaleza y quiere contribuir a ampliar el espacio universal de la no discriminación.

Recomendación de la semana: GLEE!

Esta semana les traigo una interesante serie musical que transmite FOX los Jueves a las 21:00hrs..

glee

"Glee" es una comedia musical y se trata sobre una escuela preparatoria y los integrantes de un coro estudiantil, también conocido como Glee. Aquí, no esperes una especie de "High School Musical" condenado a pasar sin pena ni gloria entre tantas otras producciones destinadas a los adolescentes ya que esta gran serie coral (dicho sea esto en más de un sentido, dado que las peculiares personalidades del amplio elenco llegan a destacar en un momento u otro) te sorprenderá.

La puesta en escena es muy luminosa y de colores muy vivos, lo cual destaca por tratarse de algo que actualmente cotiza a la baja, pero no se trata de un musical "al uso" en el que los personajes se ponen a cantar porque sí. Los números musicales suelen estar plenamente justificados, pues (casi siempre) forman parte de los ensayos e interpretaciones de un coro bastante heterogéneo y peculiar, liderado por la gran voz de Lea Michele, todo un descubrimiento que si se lo propone podrá llegar muy lejos en esto.

Un profesor de español toma las riendas del club de coro de su instituto y lo convierte en su cruzada personal, teniendo que luchar para que no lo cancelen por cada céntimo de un presupuesto generalmente destinado en su mayor parte a otras actividades más aceptadas socialmente como el fútbol americano, el béisbol o, cómo no, las omnipresentes animadoras, cuya mentora será la mayor némesis de la iniciativa. ¿A quién se le habrá ocurrido que semejante argumento puede dar pie a una serie de éxito?

Glee es una serie musical inteligente y original, de la cual cada capítulo pasa volando porque entretiene, nos permite desconectar del mal rollo omnipresente en los medios de comunicación, pone a la vida una alegre, atrevida y variada banda sonora en la que caben estilos para todos los gustos, nos anima a ser perseverantes y sinceros sin caer en típicas moralinas altamente empalagosas y es, en definitiva, más que recomendable para pasar un buen rato matando muy pocas neuronas pero sin que, por ello, sintamos que se esté subestimando nuestra materia gris.

¿Por qué recomendarla? Por la forma tan honesta de tocar temas como la aceptación, la diversidad sexual, la discriminación a personas con diferentes capacidades físicas, etc. Por mezclar temas tan cotidianos para los jóvenes es una apuesta segura a un entretenimiento fresco.

Recomendación de la semana: LAS HORAS (Stephen Daldry, 2002)

Chic@s esta semana les traigo una película de uno de los directores más creativos que se han visto en los últimos años, Stephen Daldry . Quien con tres películas ya ha ganado un espacio dentro de la industria, películas como Billy Elliot, The Reader y la película de hoy, son ejemplos de como transmite Daldry esa sensibilidad que dota a cada imagen. Stephen Daldry es uno de los directores que han asumido su homosexualidad. The Hours es un ejemplo de la exploración literaria hacia lo queer por parte de Michael Cunningham.

¿De qué trata?: Historia de 3 mujeres a la búsqueda de un sentido en sus vidas. Cada una de ellas vive en una época diferente, pero las tres están unidas por sus anhelos y sus miedos. Virginia Woolf (Nicole Kidman), en un suburbio de Londres a principio de los años veinte, lucha contra su locura mientras empieza a escribir su primera gran novela, "Mrs. Dalloway". Laura Brown (Julianne Moore), una esposa y madre de Los Ángeles a finales de la Segunda Guerra Mundial, lee "Mrs. Dalloway" y la encuentra tan reveladora que empieza a considerar un cambio radical en su vida. Clarissa Vaughan (Meryl Streep), una versión contemporánea de "Mrs. Dalloway", vive en la actualidad en la ciudad de Nueva York, y está enamorada de su amigo Richard (Ed Harris), un brillante poeta enfermo de SIDA.

A veces, sólo algunas veces, el cine se convierte en un vehículo capaz de arañar lo más profundo de nuestro ser, capaz de adentrarse en las profundidades del alma y mostrarnos alguno de los grandes secretos de la existencia. "Las horas" no es una obra maestra, ese adjetivo se queda muy corto para describir la profundidad, la sensibilidad, el arte y el buen hacer que esconde esta irrepetible película, pero, sobre todo, se queda corto para definir la gran verdad que revela y que resulta común para cualquier ser humano sobre la Tierra que alguna vez haya sentido la necesidad de elegir el camino que le conduzca a la felicidad.

Stephen Daldry hace un trabajo impecable, medido y rebosante de talento; todos los actores y actrices -incluso los secundarios- alcanzan niveles de interpretación sorprendentes. La perfección ronda por esta película de forma omnipresente, adueñándose de cada plano, de cada gesto y de cada segundo de metraje.

"Las horas" escupe ante nuestra cara el gran secreto de nuestra capacidad o incapacidad de tomar decisiones. Esas grandes decisiones que determinan los caminos por los que andamos y que nos conducen adonde queremos o no queremos estar. La felicidad es difícil de alcanzar, es sólo un instante, un tesoro precioso que llega de pronto y se escurre entre nuestros dedos, una sensación reservada sólo a unos pocos; a aquellos capaces de ser fieles a sí mismos, a sus deseos y a sus sueños.

La vida, frágil e irrecuperable, mantiene su férreo latido como un pulso ininterrumpido, con su lento devenir hacia esa muerte que, irremediablemente, nos espera a todos al final del camino. Y todos tenemos la capacidad de elegir cómo vivir, de elegir con quién queremos vivir y lo que queremos hacer. Ser felices depende de nosotros, y no serlo también... y ser infeliz es la mayor tortura del ser humano, una tortura que puede conducir a la peor consecuencia de la infelicidad: desear la muerte.

]

Las tres mujeres de esta película afrontan el reto de forma muy diferente. Una elige la muerte, otra la huida y otra la resignación. Y al final sólo queda esa vida vivida que jamás volverá, con el fin definitivo para Nicole Kidman, con el premio que no supimos ver ante nosotros en el caso de Meryl Streep y con el merecido perdón en el caso de Julianne Moore. Tres senderos diferentes, tres senderos forjados en el tiempo con cada uno de los años, los días y las horas de nuestra preciosa e irrepetible existencia.

Esta película se basa en un guión adaptado de una novela titulada “Las horas”, que a su vez está inspirada en el libro de Virginia Woolf, “Mrs. Dalloway”. Para mí, es una obra de arte porque posee imágenes portadoras de una belleza hipnótica. La calidad de los planos, el color, la expresividad, las emociones que despiertan y las reflexiones que conllevan, hacen de ella una obra interactiva con el espectador, que se ve envuelto por las historias descritas y es capaz de disfrutar tanto de lo que se muestra como de lo que se intuye.

Por otra parte, la película no sólo entra por los ojos; también lo hace por los oídos. La música que nos acompaña durante la visualización es del todo apropiada, y se convierte en una gran aliada que nos empuja irremediablemente hacia el terreno de las emociones, algo que considero esencial en una obra de arte. Es una experiencia audio-visual bella y placentera.

Al grano: Fina, elegante, reflexiva, bella, soberbia, impactante. No hay más palabras para definir esta pieza que debe de ser colocada dentro de las mejores películas en la historia del Cine.

* * * * * / 5

---------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------

Sígueme en twitter a través de: www.twitter.com/gusbarrientos

Gus Barrientos. Alumno de Teatro de la Universidad de las Américas Puebla, Presidente de la Asociación Estudiantil Diversitas y colaborador del Centro de Sexualidades Erósfera http://www.erosferaweb.org/

Checa mi blog: http://yaquiestagusdabarr.wordpress.com/

Rent :: La película de la semana...

Hey chicos, esta semana les traigo la crítica de un musical muy controvertido, Rent de Jonathan Larson (q.e.p.d.). Este musical noventero se convirtió en un ícono en Estados Unidos al hablar de una forma directa del VIH y de contar con personajes homosexuales y lésbicos. Sin embargo, no les recomiendo la película, si no el musical en vivo y en directo:

RENT en vivo desde Broadway

Rent Filmed Live in Broadway es el resultado de la grabación, con cámaras de alta definición, de la última función de Rent en Broadway. Proyectada en Septiembre de 2008 en algunos cines de Estados Unidos y Canadá, aquellos que pudieron asistir a dichas proyecciones manifestaron que la experiencia de ver "Rent" en alta definición fue tan asombrosa que daba la sensación de estar ahí mismo, en el escenario, con los artistas. Fué dirigido por Michael John Warren.

RENT, el excepcional musical creado por Jonathan Larson, llegaba a su última representación en Broadway tras permanecer allí doce años de forma ininterrumpida, siendo con ello el 7º más longevo de la historia, y esa ocasión merecía filmar la obra.

Creo que es poco lo que se puede añadir de RENT, obra que revolucionó el panorama musical desde el momento de su estreno y que sin duda ha marcado una época. Todo un canto a la importancia de no dejar escapar el tiempo por cobardía ya que el presente es todo lo que tenemos, puesto que se debe trabajar para el futuro pero nunca vivir de él, y lo pasado quedó atrás. Todo un canto a la amistad y al amor. En resumen: un canto a la vida.

Junto a ello, la valentía de tratar sin tapujos temas espinosos aún hoy día, con una acérrima una defensa de la libertad personal de cada uno, sobretodo en lo que incumbe a nuestra vida privada, tratando con toda normalidad el estigma social que era -y sigue siendo- la homosexualidad (Wilson Heredia se convirtió en el primer actor en ganar un Tony con la interpretación de un trasvesti dando vida de forma magistral a Angel) y dejando claro que nadie debe avergonzarse por ser lo que es -respeto señores, esa es la palabra- y concienciando acerca de la necesidad e luchar contra esa lacra llamada SIDA. Si unimos ambos temas y volvemos a principios de los noventa cuando comenzó a gestarse este musical, se pone aún más de relieve la valentía de Jonathan Larson al tratarlos de esta manera.

En cuanto al reparto, obviamente quienes hayan conocido RENT desde hace tiempo, así como aquellos que hayan visto la película echaran irremediablemente en falta al original cast (exceptuamos a Rosario Dawson para quienes vieran la película, que no formaba parte del elenco original de RENT), ya que se hace dificil cambiar voz y rostro a personajes tan carismáticos como el Tom Collins de Jesse L. Martin, el Roger de Adam Pascal o Angel del ya citado Wilson Heredia, pero en líneas generales vemos un reparto muy sólido, donde destaca sobremanera la fantástica interpretación de Eden Espinosa como Maureen Johnson (espectacular en la performance de Maureen).

En resumen, un gran colofón final a una obra que no solo rompió moldes marcando un nuevo rumbo dentro de la escena de los musicales, sino que se ha convertido en uno de los grandes hitos de finales de los noventa y esta década. 4 premios Tony y un Pulitzer la observan y millones de fans lo corroboran.

Jonathan Larson quien paradójicamente no pudo llegar a ver el estreno en Broadway de su obra, al fallecer la noche antes del mismo estaría orgulloso de ver lo que ha conseguido su creación.

Gracias Jonathan por RENT.

Obra: * * * * / 5

La película de la semana: La novia de la novia (Imagine, me and you..)

Chicos de @gaycolectivo! Esta semana les traigo una película bastante y simpática, Disfrútenla!

Imagine, me and you

La novia de la novia

Ol Parker, 2005

¿De qué trata?: En el día de su boda, camino del altar, Rachel(Piper Perabo) ve a la persona con la que quiere pasar el resto de su vida. No es su prometido, ni siquiera un invitado apuesto... es la chica encargada de las flores de la ceremonia(Lena Headey).

Algo a su favor es lo corta que se te hace esta película, nada más comenzar: la boda... y a partir de ahí una espiral de acontecimientos que van uniendo a las 2 protagonistas en algo que se huele desde el primer momento en el que cruzan miradas. La vida puede cambiar en tan sólo dos segundos. Cuando parece que todos los cabos de tu vida están más que atados, puede aparecer algo o alguien que te desmonte todos los esquemas que ya habías planeado con minucioso esmero. Así se debe sentir la protagonista de este film, Piper Perabo, que vuelve a hacer de lesbiana en un papel divertido y tierno a la vez.

No es una comedia romántica típica ni muchísimo menos (pero tampoco es extremadamente original) y funciona, sabe transmitir bien los sentimientos de los personajes, el ambiente de la pareja de Rachel y Heck(Matthew Goode), los sentimientos que hay entre Rachel y Luce... Es una película bastante graciosa (un factor importante en esto es el personaje de Cooper(Darren Boyd )) pero sin pasarse, en su justa medida, humor perfecto para una comedia romántica. Y es una película bonita, como no podía ser de otro modo

Generalmente, los filmes sobre homosexualidad femenina, ya sean creación de hombres o mujeres, describen a una de las partes con características masculinas físicas y/o psicológicas. Sin embargo, Ol Parker las “ve” como dos seres femeninos, dulces, sensibles, sin problemas de comunicación con el sexo opuesto ni con el resto de la humanidad. Ni siquiera considera que el lesbianismo tiene su origen en la ausencia de una madre o un padre, o en la imagen negativa de una madre o en una mala relación. Simplemente, es lo que creo que Ol Parker intentar expresar es que la vida es dinámica y que siempre se puede mejorar su calidad. Exceptuando el personaje de la amiga, que sigue sola, el resto atraviesa cambios profundos y positivos.

Pero lo que siento que Ol Parker fundamentalmente desea expresar es que el amor tiene diversas fuentes y senderos, y que la vida se convierte en un paraíso cuando dejamos respirar y vivir a nuestro corazón, ya se trate de homosexuales, heterosexuales, bisexuales, asexuales u omnisexuales. Sin dudas, ni patologías, ni desafíos, ni conflictos de ningún tipo en los involucrados, familiares, amigos, conocidos o desconocidos. Simplemente dejando al amor ser. Cuando esto sucede, la vida se convierte en una celebración.

Al grano: Simpática comedia romántica que estudia el proceso de enamoramiento de dos mujeres dando como resultado un ejemplo de libertad y una buena intensión de sus creadores.

* * * 1/2 / 5

El Cielo Dividido:: La reseña de la semana...

EL CIELO DIVIDIDO

BROKEN SKY

Dir. Julián Hernández,
2006

¿De que trata?: Gerardo(Miguel Ángel Hoppe) y Jonás(Fernando Arroyo) se reencuentran porque se han buscado; en una primera mirada se descubren cómplices añejos. De ahí una cita, otra, el hotel, la universidad, las discotecas, la intimidad, los besos, la piel, el reencuentro, la fusión, la cama, la regadera... la sensación de permanecer contra la distancia, contra el tiempo, los va fusionando nuevamente, como en un rito perenne obligado a repetirse, para mantener la continuidad de los acontecimientos vitales. Su historia de amor se interrumpe con la aparición de Bruno(Ignacio Pereda), quien se convierte en el nuevo objeto del deseo de Jonás.

Particularmente las propuestas de Julián Hernández no terminan por convencerme por diversos motivos, tal vez sea la ausencia de parlamentos, escenas prolongadas, la reiterante temática de sus películas que solo son exposición y no cuentan con algo particularmente interesante, gente desconocida.Es importante resaltar que Hernández es el único director dispuesto a llevar a cabo este tipo de historias, por lo que su apertura no termina por llevarse a cabo. Puede ser que el éxito sí sea propiciado por el morbo de las masas, pero también por aquellos que buscan opciones diferentes de lo que es presentado nuestras carteleras semana tras semana

El cielo dividido es el retrato de un noviazgo homosexual captado en diferentes situaciones, el escolar, el social y sexual principalmente. no hay profundidad en los personajes, vamos que todo gira en torno a la vida nocturna de los chavos, sus múltiples encuentros y la obsesión a la que se harán acreedores con la aparición de otros en discordia. La nulidad en cuanto a diálogos en efecto es cansado, pero resulta aun más tedioso cuando se cae en círculo vicioso de cada una de las acciones que llevan a cabo (el regreso físico de Jonás, la huída física de él, su retorno nuevamente con Gerardo, su ausencia mental, etc.).

La innegable factura y estética de este film no justifica el fallido experimento cinematográfico que gira en torno a la relación homosexual de dos adolescentes, desde su primer encuentro a todas las fases por la que pasa una relación sentimental (celos, pasión, misterio...). La pretenciosidad del mexicano Julián Hernández -que repite el mismo lenguaje, temática y discurso que realizó en su anterior film "Mil nubes de paz"- resulta irritante en la mayoría de los casos, intentando a cada secuencia imitar a Ingmar Bergman, tanto por lo contemplativo como por el uso de los silencios y de los casi inexistentes diálogos -a ritmo de uno cada cuarto de hora-20 minutos y el resto mucha música y secuencias de sexo-.

Probablemente este film tenga un público incondicional, que probablemente disfrute de las secuencias explícitas que se repiten algo gratuitamente en la narración, pero si conseguimos abstraernos de la polémica, la estructura dramática de la historia es tan simple como el mecanismo de un chupete, sin recovecos y sin prácticamente sorpresas: dos personas y una relación.

A mi me horroriza que la pedantería de algunos realizadores como Julián Hernández o Carlos Reygadas, volviendo a la comparación con Bergman, que intentan apabullar al espectador con imágenes preciosistas y un lenguaje audiovisual completamente primitivo, pasado de moda a día de hoy, en el que todas las claves para ver cine han evolucionado bastante. No se pueden olvidar las refrescantes "Mi hermosa Lavandería"o "Ábrete de Orejas", ambas de un joven y combativo Stephen Frears, donde se articulaba a la perfección todo ese microcosmos sin recurrir a grandilocuentes y vacías imágenes, sin que tampoco podamos olvidar "Happy Together", otro film de referencia en el tema que nos ocupa, y que le valío a Wong Kar-Wai, con toda justicia, el premio al mejor director en el Festival de Cannes de 1997. Con todo ello quiero decir que, desde mi punto de vista, para contar una historia de amor -sea de la tendencia que sea- no hace falta poner música clásica melancólica, planos cortos de bocas, ojos, manos, y secuencias de sexo. El cine ofrece millones de recursos más para no ser tan cargante ni ampuloso.

Al grano: Es un trabajo interesante y con mayores aciertos que su anterior filme, sin embargo cabe aclarar a quiénes estén dispuestos a apreciarla, que lo importante es ser paciente.

* * */ 5

La película de la semana: SHORTBUS.... (Tu última parada...)

Bueno, andaba leyendo muy feliz los post de esta semana de GayColectivo cuando leí que Xellif y Seudonima comentaban esta película y como vienen sus cumpleaños, aprovecho para a modo de regalo escribirles mi reseña al respecto de esta película, con mucho cariño para todos, Gusipacio.

SHORTBUS (2006)

Tu última parada (Título en español)

Dir. John Cameron Mitchell

¿De qué trata?: Historia con sexo explícito en el que varios personajes neoyorquinos navegan por los laberintos tragicómicos del sexo y del amor dentro y fuera de un club polisexual underground llamado "Shortbus". Sofia es una terapeuta sexual que nunca ha tenido un orgasmo. Lleva años fingiendo con Rob, su marido. Conoce a Severin, una dominadora, que decide intentar ayudarla. Entre los clientes de Sofia están James y Jamie, que empiezan a abrir su relación sexual hacia el exterior. James sugiere abrir su relación con Ceth, pero Jamie se muestra evasivo. Parece tener otros planes, tal como descubre Caleb, el hombre que los observa...

Shortbus es la segunda película de John Cameron Mitchell, tras la genial "Hedwig and the angry inch", es una divertida y valiente tragicomedia que sigue a distintos personajes en busca de la satisfacción afectiva y sexual. En el club convergen los personajes de las tres historias principales, en busca de solución a sus conflictos emocionales. Son una terapeuta sexual que, a pesar de ejercitar con su pareja el Kamasutra entero, finge ruidosamente los orgasmos (una forma de ganar tiempo, justifica) porque nunca ha tenido uno, y empieza a considerarlo inaplazable; una pareja gay en crisis, que prueba a ampliar la relación para revitalizarla; una dominatrix profesional incapaz de implicarse afectivamente excepto a través de un látigo.

El director prescinde de la censura, la ignora olímpicamente y la deja atrás. Un primer resultado es que se esfuma la aureola pornográfica. Los desnudos y acoplamientos aparecen en su papel narrativo, sin carga morbosa o excitante. Acaso cómica, por momentos, como en cierta versión “orgánica” del himno estadounidense. Otra peculiaridad del experimento es la gran dirección de actores que, en trabajo colectivo, aportan sus historias personales.

"Shortbus" es un golpe directo a las convenciones y a las restricciones. La búsqueda continua de la felicidad y de la reconciliación con uno mismo y con el mundo. Para dicha búsqueda, la propuesta va más allá del atrevimiento, ahondando en las causas de las frustraciones y heridas personales. Pero hay que dejarse llevar, sumergirse y abrir la mente. No busques las respuestas en la coherencia, sino en los sentidos, las sensaciones, las reacciones, los sentimientos reprimidos y expresados. En lo que se dice y en lo que no. En lo que se muestra.

Llena de perlas, puede pecar de ingenua en su lance final, demasiado previsible, pero aún así es un ejercicio notable de humildad, sensibilidad y sano desparpajo: al fin de cuentas es el sexo lo que nos mantiene vivos y tantas veces atormentados.

_________________________________________________________________________________________________

Escúchame los jueves a las 19:00hrs en SEXO A LA CARTA por http://www.udlap.mx/elocuencia8080

Sígueme en twitter a través de: www.twitter.com/gusdano

Gus Barrientos. Alumno de Teatro de la Universidad de las Américas Puebla, Presidente de la Asociación Estudiantil Diversitas y colaborador del Centro de Sexualidades Erósferahttp://www.erosferaweb.org/

Checa mi blog: http://yaquiestagusdabarr.wordpress.com/

Kinky Boots: Drags y Cine...

Hola chic@s de Gaycolectivo, en esta semana de invitados junto con mi compañera de Fuera de Foco(@FueradeFoco, todos los miércoles a las 11:00hrs por Elocuencia8080), Madrini, les recomendaremos dos películas que tocan el tema del trasvestimo y las DragQueens. Yo les traigo una simpática película inglesa llamada Kinky Boots.

¿De qué trata?: Tras la repentina muerte de su padre, Charlie Price (Joel Edgerton) tiene que hacerse cargo del negocio familiar: una fábrica de zapatos de toda la vida en Northampton, "Price and Sons". Charlie descubre enseguida que el negocio no marcha bien, y que sin nuevos pedidos irán a la bancarrota. Con unos empleados escépticos respecto a su capacidad como jefe, Charlie se marcha a Londres en busca de soluciones. Tras un encuentro casual descubre un cabaret de travestis liderado por Lola (Chiwetel Ejiofor), cuyo mundo gira en torno a una moda muy peculiar en la que resaltan las botas altas de plataforma. Charlie empieza a descubrir un nicho por explotar en el mercado del calzado...

En México la tradujeron como "Botas Audaces, para pies diferentes" y llegó directamente al DVD. Esta comedia británica tiene como uno de sus objetivos aceptar a la otredad, al ser que piensa, vive y siente diferente a ti. Sin embargo, también toca un punto que es muy oportuno resaltar y es el hecho en el Lola tiene que aceptarse ante un pueblo conservador como lo es Northampton.

Lola es un personaje que explica lo que vive y piensa un ser cuyo género no corresponde a su cuerpo físico y a todo lo que eso implica. La entrada a la película es magistral creemos ver a una niña que baila en un muelle muy gustosa con sus zapatos de tacón rojo hasta que después nos enteramos de que es un hombre. Vemos después cuando ya es adulto un ser alcohólico, que trabaja en un bar como dragqueen.

El encuentro entre Charlie y Lola es interesante pues mientras se da el proceso de la negociación de la fábrica de zapatos,se da también un proceso de aceptación y tolerancia. La relación se llega a tensar cuando Charlie le pide a Lola se defina por un género, pues hay días en los que se le ve vestido como un hombre y otros como una mujer. Al final Lola defiende el género que ha constituido su identidad. La fábrica sólo es un pretexto, la película es la construcción de Lola como Lola, un ser que define su vida y su existencia.

Al grano: Kinky Boots tiene elementos de comedia romántica interesantes y vale la pena darle una lectura. Total, todos somos diferentes los unos a los otros y no tenemos nada que perder.

* * * 1/2

Les recomiendo que chequen el trailer aquí.

------------------------------------------------------------------------------------------------

Escúchame los jueves a las 19:00hrs en SEXO A LA CARTA por http://www.udlap.mx/elocuencia8080

Sígueme en twitter a través de: www.twitter.com/gusdano

Gus Barrientos. Alumno de Teatro de la Universidad de las Américas Puebla, Presidente de la Asociación Estudiantil Diversitas y colaborador del Centro de Sexualidades Erósfera http://www.erosferaweb.org/

Checa mi blog: http://yaquiestagusdabarr.wordpress.com/

Película de la semana: Sólos contra el mundo (The Bubble) / Ha- Buah

¿De qué trata?: Tres jóvenes israelíes comparten apartamento en un barrio hippie de Tel-Aviv. Lulu(Daniela Virtzer) es dependienta en una pequeña tienda; Yali(Alon Friedman) es el encargado de un café de moda y Noam(Ohad Knoller) pasa sus fines de semana sirviendo en puntos de control de la Guardia Nacional. Los tres amigos tratan de vivir al margen de conflictos sociales y políticos, a menudo son acusados, por ello, de vivir en una burbuja. Todo se complica cuando Noam se enamora de Ashraf(Yousef 'Joe' Sweid), un joven palestino.

Con "Yossi and Jagger" ya consiguió dejarme clavado en el sofá, con unas cuantas (por no decir muchas) lágrimas cayendo durante los títulos de crédito. Con "Caminar sobre las aguas" consiguió hacerme pensar, cuestionar muchas cosas, desmontar alguno de mis parámetros... Y ahora con "The Bubble" Eytan Fox va mucho más allá... La historia de estos cuatro chicos te envuelve desde su comienzo documental, te atrapa y te lleva por sus vidas, poco a poco, a retazos, y te lleva de cabeza a un final irreversible y tristemente a la orden del día...

De forma sorpresiva Eytan Fox y su guionista colaborador Gal Uchovsky tienen la habilidad para narrar la historia de amor imposible entre un hombre palestino y uno israelí, trasladarnos al contexto de cada uno para dejar ver la saturación de prejuicios y hostilidad que les acechan para desatar por medio de la agresión las respuestas a las diferencias. Esta habilidad se ve reflejada en pantalla con una historia sencilla y ágil, inmersa en problemas de índole político de la que los personajes principales tratan de escapar para refugiarse en una burbuja frágil.

"Sólos contra el mundo" es una radiografía de la juventud israelí. Está compuesta por un reparto 100% juvenil, que va más allá del chiste fácil o estúpido; que enseña posturas, motivos y dificultades de los habitantes de cada región para mantenerse en sus posiciones; y de lo que los sueños propician. Los personajes están perfectamente definidos, cada uno con su vida pero entre ellos son como uno. Igual cómo el palestino llega a la vida de los judíos es un poco confuso, pero a partir de ahí se genera un amor, una lucha por la paz y una visión muy mágica del lugar.

Uno de los aciertos de “Sólos contra el mundo” es que de nuevo, crea una película de carácter político encubierta en otros géneros. Dicho de otra manera, no impregna toda la cinta de ese carácter austero y serio que viene a ser seña de las películas de temática política. El humor es recurrente en su filmografía, y en este caso, quita tensión y seriedad a un tema tan peliagudo. Fox es otra de esas voces disconformes con la política de ocupación de Israel, un ser disidente que se sabe doblemente incómodo (por su activismo político y su manifiesta sexualidad) y que usa sus armas para reivindicar lo que considera necesario.

No le quito méritos ante una propuesta en la que acaba por exponer una realidad que es por todos conocida (aunque su conocimiento no implique tenerla en cuenta, desgraciadamente): la violencia genera más violencia.

Inicia su andadura con una secuencia dura, con cámara en mano -en un punto de control, una mujer palestina se pone de parto-. Es un excelente comienzo, y nos avisa, de que esta película no quiere dejarse cosas en el tintero. La pena es que Fox se pierde por las ramas, aunque aquí hago un inciso: La burbuja es una cinta que ha viajado a diferentes países con distinto metraje. Mientras que en Israel su duración es de 90 minutos, en otros países sobrepasa las dos horas. La película que yo he visto duraba casi dos horas, por lo que muchas de las escenas que considero innecesarias y algo triviales supongo que quedarían fuera del montaje en Israel.

De haber cuidado un poco más la película y haber centrado la trama en ese problema socio-político, sin por ello haber perdido el humor y frescura de la cinta, Fox podía haber conseguido un producto mucho más redondo. Sin embargo esta película es un homenaje al amor, a Tel-Aviv, a los jóvenes y a la paz....

Al grano: “Sólos contra el mundo” es un buen trabajo de sumo interés pero que su director no sabe rematar y que a mí juicio, estropea imponiendo un lirismo innecesario en su final.

* * * * / 5

Film de la semana: Quemar las naves....

QUEMAR LAS NAVES - 2007

¿De qué trata?: Sebastián(Ángel Onésimo Nevares) y Helena(Irene Azuela) son dos hermanos adolescentes que viven con su madre moribunda en una ciudad colonial de provincia. Encerrados en una casona que se está cayendo a pedazos, lo único que los sostiene es su relación simbiótica y dependiente. La llegada de Juan(Bernardo Benítez), un adolescente de clase baja que viene del mar, desencadena un enfrentamiento entre los hermanos, que los obliga a definir su actitud hacia el amor, el sexo, la amistad, el poder, la traición; en definitiva, su actitud ante la vida.

Francisco Franco no titubeó al construír una historia difícil de ser concebidad dentro de un contexto social como lo es el Mexicano. Dejando atrás el tabú, la imagen solemne de una Columba Rodríguez o la arquetípica figura de un charro y más aún, la mil veces citada historia de pobreza y drogadicción que nada propone; nos entrega una honesta cinta donde aquello "improbable" de ser, puede ocurrir.

Los hermanos (Helena y Sebastián) han convivido toda una vida a la sombra del éxito de su madre, quien, por alguna circunstancia, pasa los últimos años de su vida postrada en una cama. Motivo por el cual, la joven Helena se ha visto obligada a desempeñar el rol de madre-padre, sin que esto signifique la fragmentación de sus deseos de volar.

A su vez, y como consecuencia de ello, el surgimiento de una obsesiva relación de posesión y control para con su hermano, misma que se enfatiza con la llegada de un tercer elemento, que a primera instancia parecería incidental o poco revelador y por el contrario, aporta el sentido real para el descubrimiento colectivo de los implicados.

Nada mal, si tomamos en cuenta que el director renunció al estereotipo de actores de gran escuela. Destacable la actuación de Irene Azuela; pocas veces un personaje femenino con tal actitud y sin pose de diva. La película contiene sus errores, claro está pero salvables al margen de haber presentado un filme arriesgado y si no excelentemente logrado, en vías de una trasgresión al actual cine mexicano.

“Para poder manejar tu vida con total libertad, es necesario abandonar el nido familiar”. Este mensaje más o menos afortunado según los gustos, se convierte en el hilo conductor de este filme mexicano donde, contra todo pronóstico, dos hermanos adolescentes y una madre moribunda se convierten en los principales protagonistas a pesar de una insufrible masa de personajes secundarios que invaden descaradamente una historia sencilla y la cargan con tópicos tan manidos como la homosexualidad, el incesto, la dependencia o la búsqueda de identidad típica de la juventud.

Quemar las naves supone una película con ritmo, con actuaciones dignas, una fotografía aceptable pero mejorable, con un guión que no es muy descabellado y que intenta dar una moralina que resulta muy válida para un público fácil. Es una cinta amable y previsible, políticamente correcta en temas que a ninguno ya nos sorprenden y que con el paso del tiempo, en vez de quedarnos un regustillo agradable nos deja una impresión insípida e indiferente.

Al grano: Una de las propuestas más honestas del cine mexicano, Irene Azuela demuestra que va a crecer muchísimo como actriz y que puede ser de las grandes con gran soltura.

* * * 1/2 / 5
Ver trailer de la película aquí: [http://www.youtube.com/watch?v=3FLtvLwxNIg]

___________________________________________________________________
Escúchame los jueves a las 19:00hrs en SEXO A LA CARTA por http://www.udlap.mx/elocuencia8080
Sígueme en twitter a través de: www.twitter.com/gusdano
Gus Barrientos. Alumno de Teatro de la Universidad de las Américas Puebla, Presidente de la Asociación Estudiantil Diversitas y colaborador del Centro de Sexualidades Erósfera http://www.erosferaweb.org/
Checa mi blog: http://yaquiestagusdabarr.wordpress.com/